Artistras

La 'Gioconda' de El Prado fue realizada al mismo tiempo que el original

2012-02-06T20:05:00.002+01:00

Las bodegas del Museo del Prado han sido el escenario de uno de los más importantes descubrimientos de la Historia del Arte: los conservadores de la pinacoteca han hallado en sus fondos una réplica de la Gioconda de Leonardo da Vinci, pintada por uno de sus pupilos favoritos, probablemente Andrea Salai (que a la postre se convertiría en uno de los amantes del maestro) o Francesco Melzi. Los expertos del Prado han empleado varios meses en estudiar, limpiar y quitar el oscuro barniz que cubría la tabla. Lo que durante muchos años fue considerado en el seno del Prado como una copia más –y bastante banal- del retrato más célebre del arte mundial ha acabado siendo catalogado como una verdadera bomba. Tanto los máximos expertos del Prado como los del Museo del Louvre han aceptado ya el carácter oficial del hallazgo (según informaciones a las que ha tenido acceso este periódico y que también está recogiendo el periódico online Art Newspaper), y han subrayado la importancia del mismo. Con toda probabilidad, la obra será cedida temporalmente a sus colegas del museo parisiense por por los responsables del Prado, que confirmaron el descubrimiento a EL PAÍS. Allí será exhibida en la misma galería donde se encuentra la Gioconda, la obra más visitada del Louvre.

No estamos ante una mera copia del retrato de las muchas que pululan por el mundo: se trata de un verdadero work in progress, un retrato paralelo, una especie de fotocopia ejecutada de forma simultánea por el alumno mientras el profesor pintaba su obra maestra. Hay que subrayar, además, que el tamaño de original y réplica es prácticamente el mismo: 77 X 53 centímetros para el primero, y 76 X 57 para la segunda. El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original en su estudio de Florencia, lo que además arrojará nuevas informaciones sobre la forma en que se trabajaba en los gabinetes de los grandes maestros. Diversos estudios fotográficos y radiológicos efectuados sobre el cuadro arrojan resultados que, muy probablemente, van a cambiar el rumbo de las teorías e interpretaciones en torno al inmortal retrato de la que, según la tesis más respetada, pudo ser la joven Lisa Gherardini, esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo.

Durante mucho tiempo, los expertos del museo madrileño creyeron que la obra que dormía en sus depósitos –y que incluso llegó a ser colgada durante un tiempo en sus paredes- había sido pintada por un artista flamenco u holandés: el soporte, tabla de roble, no era utilizado por los artistas florentinos, que preferían el uso de otros soportes… como el nogal. Sí por los flamencos, lo que llevó a los conservadores a considerar la pintura como obra flamenca. Pero estudios posteriores arrojaron nuevos resultados: la copia de la Gioconda no estaba hecha sobre roble sino sobre… nogal.

Otro de los motivos cruciales de que la pintura permaneciera escondida durante siglos se refiere al fondo del retrato, totalmente oscuro, por contraposición al original del Museo del Louvre, en el que puede apreciarse el verde paisaje de la Toscana. Hoy se cree que ese fondo negro fue añadido al cuadro en el siglo XVIII. Los restauradores del Prado emplearon meses en despojar a la tabla de su absurda oscuridad y, sorpresa, se toparon con la luz, el color y el trazo de los mismos paisajes del norte de Italia presentes en el original de Leonardo da Vinci. En estos momentos, el equipo de restauración de la pinacoteca madrileña continúa adelante con su trabajo, retirando las sucesivas capas de barniz que durante más de 500 años han ido tapando el rostro de la joven del cuadro. Con toda lógica la obra objeto del hallazgo goza, tras ser convenientemente saneada, de un estado de conservación muy superior al de la Monna Lisa del Louvre: el rostro del original de París permanece oscurecido por el barniz envejecido por el paso del tiempo, lo que hace que el aspecto de la muchacha del cuadro parezca el de una mujer de mediana edad, mientras que el del Prado ofrece ahora la visión de una chica de unos 20 o 25 años. El mundo del arte está, en otras palabras, ante una Gioconda rejuvenecida.

El equipo directivo del Prado, con su director Miguel Zugaza a la cabeza, tenía previsto presentar en sociedad este hallazgo el día 23 de este mes, pero una ponencia presentada hace dos semanas en un congreso celebrado en Londres ha precipitado las cosas. En dicha reunión de expertos en pintura del Renacimiento se llegó a mostrar una fotografía que mostraba el proceso de limpieza: el antes y el después de la copia, con el fondo negro, y sin él. También se habló en el congreso londinense (celebrado de forma paralela a la exposición de la National Gallery Leonardo da Vinci, pintor de la corte de Milán) de las pruebas de reflectografía por infrarrojos efectuadas en la tabla; dichas pruebas fueron comparadas con las que en 2004 se aplicaron al original del Louvre, arrojando sorprendentes resultados en cuanto a la similitud con el original. Ana González Mozo, una de las especialistas de la pinacoteca madrileña, presentó una ponencia en la que establecía la evidencia de que la copia salió del estudio de Leonardo. Las razones por las que el maestro deseó y permitió que un discípulo ejecutara una réplica de forma paralela a su trabajo es todo un misterio. El propio misterio que siempre rodeó a la propia vida de Leonardo da Vinci…

Extraído de El País

La Muerte de Jacinto de Jean Broc

2011-07-11T20:27:00.010+02:00

Apolo es una divinidad antigua, fruto de una de las relaciones extramatrimoniales de Zeus con Leto y hermano de Artemisa, la diosa de la caza.

Hera se enteró del engaño y condenó a Leto a parir de noche y lejos de tierra firme, por lo que eligió la isla errante en la que se había convertido su hermana Asteria.

Primero nació Artemisa que recién nacida ayudó en el parto de su hermano. Este se convertirá en el dios de la música cuyo atributo principal va a ser la lira que es un regalo de Hermes.

Este despertó la ira de Hera y le mandó una serpiente pitón para que matara a él y a su hermana.

Apolo protagonizó una serie de romances pero no obtuvo descendencia. .

Una de sus relaciones más llamativa fue la que desempeñó junto a Jacinto un joven bello e imberbe. .

Este amor acusó una enorme envidia en Céfiro (viento del oeste), que mientras estos estaban practicando deporte este desvió el disco y mató a Jacinto.

Esta situación le produjo un enorme dolor a Apolo, en el que en este cuadro le vemos abrazar a su amante. De la sangre derramada de Jacinto en la tierra brotó una flor que lleva su nombre. Parece que en los pétalos de la flor están representadas las dos letras griegas “alfa” e “iota” (¡Ay!) de la expresión de dolor que sintió Apolo al ver a Jacinto yaciendo inmóvil sobre el suelo.

En este cuadro de Jean Broc, aparece Apolo abrazando a Jacinto. Apolo porta el carcaj típico de su condición de Apolo Flechador, vemos que también aparece el disco con el que muere Jacinto. ..

Los colores utilizados son unos pasteles muy suaves y claros, el ritmo de la composición es ascendente.

En la parte baja del cuadro vemos que de la sangre de Jacinto ya ha brotado la flor.

Percibimos el gesto amable de la cara de Jacinto y los rasgos dúctiles de Apolo. En definitiva es un hermoso cuadro que refleja a la perfección el tema mitológico de La Muerte de Jacinto.

Capitel visigodo de la fortaleza musulmana de Reina (Badajoz)

2011-04-12T21:12:00.009+02:00

Regina Turdulorum es una ciudad romana que se encuentra en los aledaños de Casas de Reina, en la Campiña de Llerena. Esta ciudad floreció por estar situada en un enclave rico en minas de hierro y plomo. En poco tiempo se convirtió en el centro político, económico y social de la zona, hasta su abandono.

Perduró durante varios siglos en la antigua demarcación geográfica denominada Baeturia Turdulorum, que en épocas posteriores ocupó el Conventus Cordubensis. Su decadencia pudo venir en los años posteriores al II Concilio Hispalense, donde en una de sus actas aparece todavía nombrada. Por lo tanto, en el año 619 todavía estaba habitada.

Con la llegada de los pueblos germánicos a Hispania y, más concretamente, con la instauración de los visigodos en la península, Regina Turdulorum inició su imparable decadencia. La poca población que perduró en esas tierras comenzó a habitar en las alturas por la inestabilidad de los reinos germánicos y la inseguridad que esa situación generaba. Hay escasos restos y poca información de la época visigoda en esta zona, pero es destacable la conservación de dos columnas visigóticas, que actualmente se aprovechan en una ermita de estilo mudéjar de la cumbre de la Sierra de las Nieves, a pocos kilómetros del antiguo asentamiento romano.

En el siglo XII, ya en época andalusí, los almohades levantaron una fortificación en esta elevación natural, utilizando mucho material de reaprovecho de la yaciente cuidad romana. Se pueden observar en sus fuertes muros de tapial, sillares graníticos y algunas incrustaciones del material de la Regina Turdulorum romana.

Finalmente, a partir de la reconquista del sur de Extremadura, en el siglo XIII, por la Orden de Santiago, a manos de Pelay Pérez Correa, será Llerena la población que irá adquiriendo preponderancia en la zona, y comenzará el colapso de la fortaleza islámica, que perdurará como un simple espectro de lo que fue con sus moradores andalusíes.

En la actualidad, en la fortaleza islámica de Reina podemos encontrar, como decíamos anteriormente, dos columnas de época visigoda. En general, el arte visigodo se desarrolló en Hispania principalmente entre los siglos VI y VII. Los principales focos de desarrollo de la arquitectura visigoda fueron Mérida, Córdoba, Tarragona y Toledo. Gracias a las fuentes literarias de la época, tenemos noticias de muchos edificios construidos con los germanos en estas ciudades, pero nos han llegado escasas muestras. Fundamentalmente contamos en la actualidad, como ocurre en el caso de la fortaleza de Reina, con elementos de soporte como pilastras y columnas y, en ocasiones, algunas placas de piedra que servían para separar el presbiterio de las naves, conocidas como canceles.

Por ende, en el interior de la fortaleza se encuentra la ermita mudéjar de Nuestra Señora de las Nieves, construida en el siglo XV, y cuyos orígenes pueden encontrarse en la época visigoda. La ermita es de una sola nave, con estancias laterales y cabecera abovedada. El coro está sostenido por una columna visigoda y fuera, en el atrio, hay dos arcos de medio punto sostenidos por otra columna del mismo estilo. Están talladas en granito y son los únicos vestigios claros de arte visigodo en la fortaleza.

La columna del atrio de la ermita de Nuestra Señora de las Nieves data del siglo VII. El capitel, por un lado, responde al tipo de simplificación bizantina del capitel corintio. Tiene tres grandes hojas de acanto que hacen a su vez de volutas, y otras hojas menores que cumplen la función de collarino. El fuste, por otro lado, es sogueado al estilo de los celtas que poblaron la península en la Edad de Hierro. Por último, la iconografía de las hojas de acanto hacen referencia al Bautismo.

Para finalizar, no es fácil encasillar esta columna en una escuela visigoda por la poca información que tenemos de esta época en esta zona, debido a los escasos estudios que se le han practicado.

Vendido un Miró por 5 millones de dólares en TEFAF, la Feria Internacional de Arte y Antigüedades de Maastricht

2011-03-21T19:52:00.002+01:00

La cita ha sufrido un robo de joyas muy valiosas que está siendo investigado por la policía holandesa

La Feria Internacional de Arte y Antigüedades (TEFAF), de Maastricht (sur de Holanda), ha abierto su 24 edición con una venta espectacular. Una escultura de madera de olivo de Miró, fechada en 1945 y titulada "Oiseau Lunaire", ha sido comprada por 5 millones de dólares por un coleccionista particular. Exhibida por la galería Landau, de Montreal, la pieza ha permanecido 40 años en una residencia privada.

TEFAF es la cita más importante del mundo de su clase, y la tarde del domingo, apenas abrió sus puertas al público, sufrió un robo de joyas. La policía holandesa ha reforzado las medidas de seguridad en la ciudad y su aeropuerto, ya que la mayoría de los compradores de la feria llega en aviones privados.

Hasta el momento, han aterrizado 125 en Maastricht (en la feria equivalente española, ARCO, no se llegó a la media docena de jets privados).

En 2008 y 2010 también desaparecieron piezas selectas de la sección de joyería, una de las más visitadas de TEFAF. El valor conjunto de las joyas sustraídas entonces ascendía a unos 2 millones de euros.

Este año, 260 expositores de 16 países exhiben unas 30.000 obras (desde cuadros de Renoir y Rembrandt a obras del Neolítico) certificadas por los expertos.

Extraído de El País

De Akenatón a Hosni Mubarak

2011-02-07T23:42:00.001+01:00

Corrupción, revuelta, violencia, contrarrevolución... ¿El Egipto de 2011? No, el de 1.300 antes de Cristo. El país que hoy mantiene su pulso contra Hosni Mubarak, vivió uno de las primeras grandes revueltas contra una clase oligárquica de la Historia.

Claro que aquella no fue una revolución desde abajo hacia arriba, sino de arriba a abajo. De hecho, aquel vuelco histórico tuvo un autor: el misterioso Akenaton, el décimo faraón de la dinastía XVIII de Egipto. Recordemos: Akenaton, que pudo ser hijo de Tutankamon (un reciente estudio lo asegura), rompió con el monoteísmo, desafió a la corrupta clase sacerdotal, que acaparaba el poder, e impulsó una modernización de las estructuras del poder en su reino. Estos cambios lo convierten en el primer reformador religioso del que se tiene conocimiento y, a su manera, en el primer héroe contra la corrupción que se conoce en Egipto.

Akenatón afianzó el poder real y ordenó construir una nueva capital en el desierto, Akenatón (la actual Tell-Amarna) -a mitad de camino entre Menfis y Tebas, las dos anteriores grandes capitales- consagrada al dios Atón. En el ámbito artístico, sustituyó el hieratismo caracterísitico de las grandes esculturas egipcias por un aspecto más naturalista.

Su aventura acabó mal. Tras su muerte, el viejo régimen recuperó el poder y sepultó el recuerdo de Akenaton, hasta que los restos de 'su cultura' fueron hallados en el siglo XX,.

Más o menos, ésa fue la misma suerte que corrió, un milenio después, Hipatia de Alejandría una de las grandes defensoras de la racionalidad, que murió linchada por una turba de cristianos. Aunque no se conserva ninguna de sus obras, Hipatia es considerada la primera mujer matemática de la historia. "Había una mujer en Alejandría que se llamaba Hipatia, hija del filósofo Teón, que logró tales alcances en literatura y ciencia, que sobrepasó en mucho a todos los filósofos de su propio tiempo", dijo de ella el filósofo Sócrates Escolástico.

Retratada por Alejandro Amenábar en su película 'Ágora', escribió tratados sobre matemáticas y astronomía y se cree que mejoró y construyó instrumentos astronómicos como el astrolabio o el planisferio.

Extraído de El Mundo

Fernando Botero expondrá en Nueva York una serie sobre el Vía Crucis

2011-02-07T23:29:00.002+01:00

No espera un éxito de ventas en su próxima exposición en la prestigiosa galería Marlborough neoyorquina, ni es algo que le preocupa.

Fernando Botero sólo quiere expresar el dramatismo del Vía Crucis de Jesucristo en unos sesenta u ochenta lienzos, acuarelas y dibujos, de los cuales escogerá veinticinco para las paredes de la mencionada sala.

Y afirma que es consciente que los temas religiosos y, menos si están salpicados de sangre, no son los favoritos de los compradores actuales.

"El drama de la crucifixión es tan grande que me movió a hacer estos cuadros", dijo el artista en una entrevista exclusiva al diario bogotano 'El Tiempo'.

Recuerda que ya en el pasado trabajó sobre la violencia en Colombia en unos extraordinarios cuadros que describen, entre otras cuestiones, la guerra que libró el cártel de Medellín contra el Estado y que se exhiben en el Museo de Antioquia.

También sorprendió hace unos años con una magnífica serie sobre las torturas de Abu Grahib.

Ahora expresará "la violencia contra la que combatió la divinidad de Cristo. Yo represento la idea de un hombre que produjo una gran revolución, un ser admirable por su filosofía, pero tratando de evitar la divinidad porque la Iglesia ha inventado muchos mitos alrededor de Cristo y la Virgen", comenta.

"Yo soy cristiano y, aunque dudo de muchas cosas, siempre persiste en el cerebro la idea de Cristo como la idea de Dios. Como artista no lo puedo aceptar: Tengo que hacerlo con la admiración que tengo sobre el hombre extraordinario".

En el Vía Crucis de Botero no estarán presentes una a una las catorce estaciones. "Son muchos aspectos de su camino de Vía Crucis: El beso de Judas, la crucifixión misma, el dolor de la Virgen, el entierro de Cristo, Poncio Pilatos, la presentación de la corona de espinas, el Ecce Homo, el camino cargando la cruz", explica el maestro colombiano.

"Algo que impresiona mucho mi imaginación es el momento en que clavan las manos y los pies de Cristo. Sobre eso he hecho dos pequeños óleos: La mano de Cristo, el clavo y el martillo".

En noviembre

Será en noviembre cuando espera que la exposición, en la que está dedicado por completo, vea la luz en una ciudad que, en su opinión, es "posiblemente el sitio menos propicio porque es una sociedad completamente secular, donde la gente no piensa más que en los negocios. Que, de pronto, le traigan a Cristo, es lo opuesto a todo lo que significa y hace Nueva York, que es hoy una apología del vicio".

Recuerda que le advirtió al director de la Marlborugh, Pierre Levai, que "posiblemente no venderá ni un cuadro porque el tema religioso no interesa mucho y porque casi nadie quiere tener cuadros con sangre en la casa. Pierre me dijo: 'Hacemos la exposición y si no vendo nada, no importa'. Afortunadamente tengo una galería que me deja hacer lo que yo quiero".

La nueva obra de Botero dejará al espectador algo perplejo porque Jesucristo carga su cruz por el Rockefeller Center y los personajes no responden todos a la época, sino a los tiempos actuales. "Alguien que no conozca la historia de la pintura quizá piense que puede ser una falta de respeto poner a un señor de corbata al lado de Cristo o a un policía dándole bolillo", dice.

Relata que fue la Revolución Francesa la que "cambió la actitud del intelectual del hombre. El artista comenzó a sentir vergüenza de mostrar su religiosidad. Era casi motivo de burla ser religioso. Nadie se atrevía a pintar eso".

Otro de los aspectos llamativos de su entrevista es su crítica al arte contemporáneo estilo el famoso orinal de Duchamp. "El arte efímero es una expresión menor que no se puede comparar con la idea del arte concebido con el deseo de perpetuidad. Lo que mucha gente no entiende es que Picasso es un artista tradicional. Yo soy supertradicional, en el sentido de que pienso que el arte se desarrolló como una cadena en la cual un artista se apoyaba en al anterior, para seguir adelante en la búsqueda de expresiones nuevas", asevera.

"El arte efímero se degrada por sí mismo". Y agrega que el de personas como el citado se trata de "un concurso por la extravagancia, no por el arte. Lo que la prensa refleja es el escándalo o la extravagancia. Para ella, que la pintura sea una cosa que tenga calidad no es noticia, pero sí que alguien presente la fuente como un orinal". De ahí que admita que no admira a los artistas "que (hacen) obras como lanzar bombones o tirar pinturas sobre lienzos a ver qué sale".

Extraído de El Mundo

El arrebato asesino de Caravaggio

2010-09-02T19:15:00.003+02:00

El pintor mató a un joven mientras jugaban un partido de palla a corda.

Caravaggio ha venido al mundo para destruir el arte", dijo el pintor francés Poussin cuando se acercó a la obra del artista lombardo por primera vez, a finales del siglo XVI.

Sin embargo, Michelangelo Merisi di Caravaggio (1571-1610) se destruyó a sí mismo. Muchos historiadores coinciden en que el artista sufría impulsividad psicopática, lo que le hacía superar los límites de la vehemencia y le convertían en un auténtico pendenciero, hasta el punto de ser capaz de atacar a alguien por el más mínimo malentendido.

Sin embargo, el motivo por el cual el pintor dio muerte a Ranuccio Tomassoni, entre las 19 y las 22 horas del 29 de mayo de 1606 (según recogen Riva & Viganò en su libro Un delitto al giorno), fue por una discusión mientras se enfrentaban durante un partido de pala a corda (precursos del tenis), donde se juegaban diez escudos.

En Roma, todos conocían al genio del Barroco. La gente murmuraba a su paso y los más medrosos evitaban cruzarse con aquel tipo de aspecto tenebroso, vestido con sombrero y capa negra.

Corría el rumor de que, cuando era tan sólo un niño, en Milán había matado a un compañero de juegos tras un berrinche y su familia le había mandado a Roma para librarse de él. Llegaría a la capital "desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones... además de corto de dinero", afirma Peter Robb en su libro M. L'enigma Caravaggio.

Sin embargo, pocos años más tarde, se convertiría en el pintor más importante de la ciudad a causa, además de por su talento, del mecenazgo del cardenal Di Monti, para quien pintó la Capella Contarelli.

Corría el rumor de que cuando era un niño, había matado en Milán a un compañero de juegos
Tomassoni fue descrito por Baglione, artista contemporáneo de Caravaggio, como un "joven de mucho garbo", utilizando la palabra garbo en el documento original para hacer alusión a su descendencia española. A pesar de carecer oficialmente de títulos, Tomassoni pertenecía a una familia aristócrata con influencias políticas, gracias a la relación que su padre, el coronel Luca Antonio, mantenía con el nuevo Papa, Pablo V.

Por su posición, nadie pudo entender por qué aquella noche, en Campo Marzio, el joven quiso llegar tan lejos y plantar cara a Caravaggio. El espectador anónimo Onorio Longhi, que según Riva & Viganò estuvo presente en el altercado, declaró que "fue una cuestión de honor".

Baglione, en su crónica sobre aquella historia de la que todo el mundo hablaba en Roma, discrepó de Longhi: "Más que honor, lo que a Tommasoni le pudo fue la vanidad, su virilidad, su imagen de hidalgo".

Caravaggio sabía quién tenía en frente, pero no por ello tuvo problemas en desenfundar su espada y clavarle la punta en el muslo. Cuando Tomassoni cayó al suelo, Carava-ggio se acercó a él "riendo, con la carcajada cargada de ira" y, sin pensarlo, le dio un corte sobre el pene, burlándose de su hombría. La incisión no fue precisa: en vez de castrarlo, le cercenó una arteria y, al poco tiempo, Tomassoni moriría desangrado. Mientras el joven perdía sangre por el pene, se dice que Caravaggio decidió huir de Roma y pasar algunos días fuera de la ciudad, hasta que las aguas volviesen a su cauce.

Sin embargo, para Robb, "Caravaggio se escondió tras los candados de Villa Firenze". El palacio estaba a pocos pasos del Campo Marzio, propiedad de Di Monti y residencia oficial de Giovanni Niccolini, embajador de la Toscana. Caravaggio había trabajado para ambos y, como concluye Robb, "pensaron que era mejor perder a un noble sin título que meter preso a un genio". .

Mientras el joven perdía sangre, Caravaggio decidió huir de Roma y pasar algunos días fuera.

Extraído de: Público

Arte Egipcio

2010-06-19T18:22:00.002+02:00

El río Nilo fue el vertebrador de Egipto. Al norte, se encontraba el delta y al sur, el valle.

El Nilo era la principal vía de comunicación entre vivos y muertos, los egipcios residían en la orilla derecha por donde nacía el sol y los muertos se enterraban en el margen izquierdo, como el ocaso.

Además, fertilizaba la tierra con sus crecidas dejando los campos preparados para cultivar el cereal y el lino. El régimen anual de la riada tenía su correlato con la trayectoria diaria del Sol. Al alba, Horus; al mediodía, Re; y al anochecer, Atón.

El templo egipcio

El templo cobrará importancia en el Imperio Nuevo, su característica definitoria fue su monumentalidad y su gran belleza. Este, presentó un esquema clásico: Avenida de esfinges o de carneros que desembocaba en la puerta de entrada custodiada por pilonos. Delante se erigía el obelisco y las grandiosas estatuas del faraón. En el interior del templo se disponían en eje longitudinal el patio y varias salas hipóstilas que conducían a las capillas, donde se encontraba la barca de Osiris y la imagen del Dios.

En cuanto a la técnica, la arquitectura era arquitrabada (con columnas como soporte habitual), los techos iban descendiendo en altura y la iluminación se iba haciendo opaca, excepto en la sala de la estatua divina, donde la luz entraba por una tronera.

Se dieron tres tipos de templo debido a su evolución arquitectónica: Al aire libre (Templo del dios lunar Khonsu, en Karnak), el semiespeo, que presenta al exterior la mitad de sus partes, excavando las salas hipóstilas y la capilla en la roca (el de la reina Hatshepsut); y el espeo, perforado totalmente en la roca (Gran espeo de Ramsés II y pequeño espeo de su esposa Nefertari, construido por Abu Simbel entre el año 1290-1224 a.C.)

Arte Prehistórico

2010-06-16T19:34:00.010+02:00

El arte prehistórico comprende las manifestaciones plásticas realizadas por el Homo Sapiens Sapiens en el ocaso de la Edad de Piedra y en la Primera Edad de los Metales.

La recta final de la Edad de Piedra ha sido subdividida por los prehistoriadotes en tres grandes fases: el Paleolítico Superior (32000-9000 a. C.) donde surge una cultura de cazadores y recolectores en el entorno glaciar; el Mesolítico (9000-6000 a. C.) en el cual se produce la aclimatación de estas comunidades; y el Neolítico (6000-2000 a. C.) cuando la piedra pulimentada complementa a la tallada.

La Edad de los Metales comienza con la invención de la metalurgia y se corresponde en su primera etapa con el uso del cobre y del bronce.

PINTURA RUPESTRE

En el Paleolítico Superior una comunidad de la zona franco-cantábrica se especializó en pintar animales en las paredes y en las bóvedas de las cuevas. Hay varias interpretaciones, pero sobre todo hay que destacar dos: la de Henri Breuil y la de André Leroi-Gourhan.

Para Breuil las pinturas eran ritos propiciatorios y expresiones de magia simpática que favorecían la caza, al acribillar a los animales con el pincel se aseguraba el posterior éxito de la batida. Aunque esta teoría presenta un lado oscuro, lo que más se cazaba en la época eran renos y ciervos, frente al protagonismo otorgado a caballos y bisontes.

Leroi-Gourhan pensaba que las cuevas eran santuarios donde se celebraban los ritos de iniciación, llegó a esta conclusión por el lugar que ocupaban los animales en las diferentes zonas. Las figuras centrales eran caballos y vacas que representaban respectivamente lo masculino y lo femenino.Pero al encontrar mezclados los animales entre sí se desmoronó también esta teoría.

La pintura del Paleolítico representa a animales de gran tamaño y en posición estática. El naturalismo es consecuencia de la intensa observación del artista. La técnica utilizada es la policromía, los colores básicos son el negro, el rojo y el ocre obtenido mediante roca pulverizada aglutinada con grasa animal.

En esta etapa se utilizan las turgencias de la pared para dar volumen al animal, la figura se rellena mediante la técnica del tamponado (se cubren los dedos con piel y se golpea la roca).

Los lugares más emblemáticos del arte rupestre Paleolítico son: Altamira, en Cantabria, y Lascaux, en Dordoña.

En el Mesolítico el artista abandona las cuevas y se decanta por las oquedades poco profundas de los abrigos. Las pinturas estaban realizadas para ser observadas a la luz del sol, la figura del animal deja de ser protagonista y comparte importancia con el hombre, estos se representan a escala reducida y en actitudes dinámicas.

El naturalismo se abandona por el esquematismo e ilustran todo el proceso de la caza. Su técnica es monocroma y los colores más utilizados son: el rojo, el negro y el blanco. La pintura parietal mesolítica se distribuye en toda la zona levantina.

Examen de Tgp

2010-03-23T21:04:00.001+01:00

Arte con arena

2010-02-25T21:16:00.001+01:00

Próximamente ARCOmadrid_ 2010 abrirá sus puertas.

2010-02-17T21:32:00.003+01:00

Numerosos coleccionistas, críticos, comisarios y otros profesionales llegados de todo el mundo, acudirán a esta cita imprescindible del arte contemporáneo, que será seguida por miles de visitantes. Del 17 al 21 de febrero, Madrid se convertirá en el epicentro de la creación más actual, con una muestra que ofrecerá un recorrido por las últimas tendencias del panorama internacional, de la mano de más de 200 galerías y de alrededor de tres mil artistas internacionales.

La participación de Los Ángeles como ciudad invitada trae a Madrid lo mejor de uno de los centros artísticos que actualmente marcan las líneas maestras en el arte contemporáneo. Con una selección de 17 galerías de reconocido prestigio, comisariada por Kris Kuramitsu y Christopher Miles, la feria ofrecerá una aproximación a la escena artística de una de los grandes centros de producción estadounidenses.

Junto a ello, las galerías participantes ofrecerán un perfecto contraste de lenguajes, soportes y manifestaciones. El Programa General, junto con su segmentación ARCO40, combinará los grandes maestros del siglo XX con la creación más reciente de la escena nacional e internacional. Completan el programa artístico las secciones comisariadas de los Solo Projects, Expanded Box, CinemaLoop y Performing ARCO, que representan la apuesta de ARCOmadrid por las propuestas más rupturistas del panorama actual. Proyectos de casi 30 países que reforzarán a la Feria como escaparate de lo más notable y vanguardista de la creación contemporánea.

La participación de L.A. como ciudad invitada en ARCOmadrid_ 2010 será una oportunidad única para conocer a las principales galerías de la ciudad, y de intercambiar impresiones y experiencias con coleccionistas e importantes directores de pinacotecas, como los responsables del Los Angeles County Museum of Art (Lacma) o el Hammer Museum, quienes visitarán la feria. La ebullición creativa de la ciudad también se hará sentir a través de la presencia de un nutrido grupo de artistas, entre los que se encuentra Raymond Pettibon quien, por cortesía de la galería L.A. Regent Projects, ha diseñado la camiseta que MANGO ha producido para los uniformes del personal de la feria, y que se venderán en beneficio de la Fundación Menudos Corazones.

Madrid se inunda de arte
Como en anteriores ediciones, los centros de arte, museos y salas de exposiciones de Madrid acompañarán a ARCOmadrid en estos días. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se suma con piezas del artista Mario García Torres; Matadero Madrid presentará las performances de My Barbarian y una magnífica instalación de Doug Aitken; el Canal de Isabel II se une con la exposición fotográfica de Julius Shulman sobre la arquitectura de Los Ángeles. Estos son algunos ejemplos de lo que se concentrará este febrero en la capital española.

También el diálogo y la reflexión tendrán cabida en la feria dentro del VIII Foro de Expertos, en el que participarán figuras internacionales del ámbito artístico. De esta forma, ARCOmadrid_ 2010 inaugurará el calendario internacional de ferias de arte con la presencia de más de 5.000 invitados VIP, y 3.000 periodistas, junto a artistas, intelectuales, directores de museos y expertos del mundo del arte.

Sin duda, un encuentro ineludible para tomarle el pulso al mercado, disfrutar de la creación artística y conocer tendencias más emergentes de todo el mundo.

Extraído de Ifema

Los Girasoles

2010-01-28T20:06:00.002+01:00

Mi novia popotito

2009-09-01T20:00:00.000+02:00

La Lola - Radio Macandé

2009-08-22T11:47:00.001+02:00

El II Certamen de pintura y fotografía 'Arte para cooperar' busca despertar la "conciencia colectiva" en Extremadura

2009-08-06T16:36:00.003+02:00

La Asociación de Universidades Populares de Extremadura (Aupex) y la Agencia Extremeña de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aexcid) han puesto en marcha el II Certamen de pintura y fotografía 'Arte para cooperar' a través de la Red Local Solidaria.

El director de Aupex, José María Rodríguez Guzmán, y el coordinador general de Cooperación de la Aexcid, Antonio Fuentes, presentaron hoy esta iniciativa, cuyo tema es 'Los objetivos del milenio' e intentará "provocar una reflexión en el mundo creativo" y buscará "despertar la conciencia colectiva".

Según informó Aupex en nota de prensa, el director de Aupex se ha referido al certamen "como una iniciativa que intenta provocar una reflexión en el mundo creativo" y que busca despertar la "conciencia colectiva", ya que para Aupex y para Aexcid "la cooperación no es igual a donación, sino que tienen que enriquecerse todas las partes que participan en ella".

Los interesados pueden presentar sus cuadros y fotografías a través de la Red de Universidades Populares de la región o directamente al Área de Cooperación al Desarrollo, ubicada en la Calle Dosma, número 8, en Badajoz, hasta el 30 de octubre.

En el caso de la pintura, la técnica será libre y las dimensiones no pueden ser inferiores a 50 x 60 centímetros, ni superiores a los 200 por cualquiera de sus lados. En cuanto a la fotografía, la técnica y las dimensiones serán libres y se permite el retoque digital.

Este programa "de sensibilización" se plantea para que "la ciudadanía reflexione a partir de la visión de los artistas y tenga una mayor capacidad de toma de decisiones", porque, según palabras de José María Rodríguez, "para sentir hay que ver, hablar, leer y este es el espíritu de la Red Local Solidaria", donde se enmarca el certamen.

Por su parte, Antonio Fuentes explicó que para Aexcid es fundamental llevar a cabo una tarea de sensibilización entre la ciudadanía para "trasladar el mensaje, el conocimiento y la reflexión de las causas del empobrecimiento del Sur".

Por ello, financia la segunda edición de este certamen, con el objetivo de "mantener la tensión de los extremeños" hacia esta cuestión. Además, Fuentes afirmó que esta labor no sería posible sin la Red Local Solidaria "por su capacidad operativa, técnica y de conocimiento y por hacer llegar a toda la región el debate y la reflexión sobre esta problemática".

Asimismo, Aupex y Aexcid pretenden con este certamen "invitar a los artistas a que formen parte activa de la sensibilización de la ciudadanía", para que todos de "forma desinteresada" contribuyan a un mundo "más justo y equitativo".

El premio es de 1.500 euros, mención especial y placa para el cuadro ganador, y 1.000 euros, mención especial y placa para la fotografía ganadora. Las propuestas ganadoras se darán a conocer en la web www.aupex.org.

Extraído de Qué.es

La Fundación Dalí adquiere el primer retrato que el pintor hizo de Gala

2009-07-28T19:56:00.003+02:00

La pieza fue adquirida en una subasta en la sala Sotheby's de Nueva York por 540.000 dólares (378.000 euros)

La Fundación Gala-Salvador Dalí ha adquirido la obra 'Gala', un retrato que podría ser el primero que el pintor ampurdanés hizo de su musa Gala.

La obra, presentada hoy por el director del Teatro-Museo Dalí, Antoni Pitxot, y la directora del Centro de Estudios Dalinianos, Montse Aguer, fue adquirida en una subasta en Nueva York por 540.000 dólares, unos 378.000 euros.

La obra, que data de 1931, es un retrato fotográfico de Gala, minucioso, en collage y lleno de detalles. Dalí, a partir del humo de un cigarrillo, integró su iconografía de ese momento y que repite en sus pinturas de los años 1929 a 1931 como el pájaro, la figura del gran masturbador, la ardilla y las hormigas, que acompañan a una Gala representada con una larga cabellera.

Pitxot describió la obra como "una pieza extraordinaria, una gran miniatura, una pequeña joya hecha sobre lo que parece una tarjeta de felicitación de los años 20 y que está llena de misterios". Además, el director aseguró que el marco que envuelve a Gala, de estilo pseudomodernista, le recuerda a un espejo que tenían Dalí y Gala, en el cual el pintor se inspiró en más de una ocasión.

El director destacó la importancia que tiene esta obra ya que marca el punto en el que Dalí decide convertir a Gala en su musa. Gala ya había sido musa de su anterior marido, el poeta Paul Éluard. "Ser musa de dos artistas de renombre tiene su mérito", comentó Pitxot, quien añadió que "algo tendría Gala para que tanto Éluard como Dalí se fijaran en ella".

A partir de este momento, concretó Pitxot, Dalí se entregó a la presencia de Gala: "La pintura era una declaración de intenciones".
Además, en la parte inferior de la pintura puede leerse 'pour l'oliveta Salvador Dalí 1931'. Oliveta (oliva pequeña) era uno de los apelativos que utilizaba el maestro para llamar cariñosamente a su mujer.

Extraído de El País

"Arte urbano"

2009-07-06T12:38:00.005+02:00

Este término describe todo el arte expresado en la calle, normalmente de manera ilegal.

El arte urbano engloba tanto al grafiti como a otras formas diversas de expresión artística en la calle.

Las ciudades que son puntos clave del arte callejero son Londres, Barcelona, Berlín, São Paulo y Toronto, entre otras.

Pienso que podrían habituar lugares para que estos artistas se pudieran recrear sin temer a las autoridades ya que pintar en las fachadas es ilegal.

"Mujer" de Artistras

2009-05-28T17:23:00.002+02:00

"Manga" de Artistras

2009-05-26T21:33:00.002+02:00

Este dibujo se lo voy a dedicar a Antrophistoria, un saludo.

"Cuerpo desnudo manga" de Artistras

2009-05-26T21:30:00.000+02:00

"Ensayo de manga" de Artistras

2009-05-26T17:55:00.003+02:00

Estoy ensayando los mangas porque esta mañana en griego una amiga me ha enseñado un dibujo muy bonito de Goku que ha dibujado (muy bien, por cierto) y me han entrado ganas de aprender a dibujarlos jeje.

He hecho dos más pero me queda colorearlos y darle sombras...

Bueno me voy a estudiar ciencias que estamos ya en los finales...
Espero que os guste.

Ah Antrophistoria gracias por darme la idea del nombre del dibujo de abajo, besitos.

"Big Bang" de Artistras

2009-05-25T20:17:00.003+02:00

"Colores" de Artistras

2009-05-25T20:15:00.001+02:00

"Autopista" de Artistras

2009-05-25T20:13:00.001+02:00

Pablo Neruda

2009-05-07T18:42:00.004+02:00

A Jose

¿Arte o Sadismo?

2009-04-28T18:26:00.002+02:00

Para mí sin duda es un acto salvaje, no se me ocurriría meter a una vaca en formol y exponerla en una galería.

Pero bueno hay gente para todo, no se me olvidará una vez que dijeron en la tele que un “artista” dejó atado a un perro en una galería de arte y estuvo esperando a que se muriera, cuando esto pasó el supuesto artista explicó que era arte.

¿Qué clase de arte? ¿A qué clase de persona le gusta ver en un museo un perro muerto o una vaca en formol? Cada cual que opine lo que crea conveniente pero desde luego pienso que esto tanto como otras muchas fotos que he estado viendo de este artista Hirst, creo que se llama, me parecen crueles e irracionales.

"Abstracto" de Artistras

2009-04-19T20:24:00.002+02:00

Días y días para este dibujo tan... extraño.

Hace ya unos días estaba yo en la clase de ciencias con mi amiga y me dije tanto "Arqueropterix" tantos protozoos ¿Para qué, si yo soy de arte? total que me puse a dibujar en la libreta y salió esto... Al final no me ha quedado tan mal como yo pensaba en un principio...

Pop Art

2009-04-04T16:05:00.004+02:00

El "Pop Art" (Arte Pop) es un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y a finales de este en Estados Unidos.

Es un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos de la «cultura popular»… Anuncios, comics y objetos culturales.

En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo» que surgió a raíz de la crisis del informalismo.

Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar el «Equipo Crónica», el cual trabajó en Valencia entre 1964 y 1981, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes.

Regina Turdulorum

2009-04-03T10:11:00.002+02:00

Cada vez que sientas que la tristeza te persiga, déjala entrar a tu vida, que con ella aprenderás a ser fuerte

2009-03-28T15:26:00.004+01:00

Me asalta la tristeza...

No logro saber del todo porque estoy triste, quizás porque echo de menos a alguien, porque no salen las cosas como yo espero, o porque me he dado cuenta de que todo tiene fin...

No me siento animada por nada, no tengo ganas de ver a nadie de estar con nadie, prefiero estar sola... Me gustaría que pasase el tiempo rápido, no tener que pensar, sentirme libre y poder dedicar mi tiempo a cosas que den sentido a mi vida...

Bueno, en vez de un blog de arte esto parece un "librito" de lamentaciones...

De todas maneras lo que creo que me pasa es que me siento sola, tengo mucha gente a mi alrededor pero sigo estando sola...

Muchacha en la ventana

2009-03-04T21:47:00.002+01:00

Es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1925. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre cartón piedra, es de estilo realista.

El cuadro pertenece a la etapa formativa de Dalí, cuando el artista tenía veinte años y el surrealismo no había influido todavía de manera apreciable en su pintura.

Este cuadro representa a la hermana del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años, asomada a la ventana, de espaldas, en la casa de vacaciones que la familia poseía en Cadaqués, a la orilla del mar. Dalí realiza un trabajo de gran uniformidad cromática y sencillez en la composición, donde la muchacha nos introduce en el paisaje que ella contempla.

Sergio Contreras & Felipe Conde

2009-03-04T21:25:00.002+01:00

Esta canción me encanta!! El otro día llamé por teléfono a una amiga andaluza y la tenía puesta de "ya voy" , le gusta tanto que hasta en griego se me ponía a cantarla, total que me dije... voy a escucharla, y este ha sido el resultado jeje.

Pero sin duda lo que más me gusta es la parte en la que canta Felipe y en especial este trocito:

"Esa guitarra cansada y herida que en la calle de la judería se pierden de madrugá...
Te llena de esencia en tu silla de nea, guitarra en tu pecho acariciarla quisiera, siento que se parte el alma cuando llega el alba y estoy a tu vera"

"Mutter"

2009-03-01T21:11:00.002+01:00

Domingo ¿no? Los domingos no me gustan mucho, pero bueno a esperar que la semana avance con la mayor rapidez posible. Como podéis observar el blog está un poco paradillo… El tiempo no me permite publicar tanto como yo quisiera y aparte no me encuentro con ánimos como para andar actualizando asiduamente… Estoy ahora como diría una amiga, totalmente “aplatanada”. Desde un principio tenía mucha ilusión de tener un blog personal de arte, pero poco a poco esto ha ido cada vez a menos. De todas maneras me lee poca gente jejeje así que no creo que echen en falta mis publicaciones.

Pero de todas maneras voy a ser un poquito constante y voy a publicar en serio, me lo voy a proponer.

Ahora paseando por la red y concretamente viendo el youtube, me he acordado de una cancioncilla que os voy a poner, no soy partidaria para nada de las letras de este grupo, pero por lo menos tiene ritmillo.

¿Qué es arte?

2009-02-26T18:26:00.011+01:00

¿Para ti que es arte? ¿Es algo que se puede tocar o sentir?
¿O algo que emana desde lo más profundo de tu alma? Con el arte no puedes evitar sentirte bien ya sea dibujando, leyendo, contemplando una escultura, viendo un bonito paisaje…

¿La danza es arte? Puedo asegurar que sí, la danza y el canto viene desde el alma, no podríamos vivir sin música, ni baile... Esto es arte

Hay gente que opina que en algunos cuadros solo se ven “cuatro rayas” seguramente que el pintor no lo hizo expresamente para que se pensara eso, en ese cuadro en el que la gente nada más que ve “cuatro rayas” se esconde una historia detrás.

Siempre hay que pensar que todo se hace por algo, ¿De que le sirve al pintor dibujar rayas sin significado? Para evadirse, para entrar en contacto con sí mismo centrando toda su atención y sentimiento en esto que llamamos arte.

El arte logra la expresión sublime de un sentimiento humano, que puede expresarse plenamente con aquello que consideremos nuestro.
Todo lo que pueda ser producto de la imaginación, fantasía o realidad está en el mismo barco.

¿Un fragmento literario es arte?

¿Un cuerpo desnudo es arte?

Todo lo que se siente lo es

Mucha gente opina que sí...

Bécquer, Rojas, Neruda, Machado,

Lorca, Rosalía Castro...

¿Qué hubiese sido del mundo sin ellos?

La música, la fotografía, la escultura, la literatura, los cuerpos, las pinturas, la arquitectura, la arqueología... Todo lo que cada persona sienta, será para ella el arte.

El árbol de la vida (Gustav Klimt)

2009-02-17T18:41:00.002+01:00

El friso consta de nueve tablas en las que encontramos elementos abstractos, estilizados y figurativos.

Líneas sinuosas dominan la composición, olvidando en algunos momentos la forma para acercarse a la abstracción.

El motivo central del friso es el Arbol de la Vida, el árbol de la sabiduría, un símbolo de la Edad de Oro en el que se reúnen todos los temas que tenían verdadera importancia para el artista, desde la mujer hasta el amor, tratándose una vez más de su obsesión por la vida y la muerte -representada en este caso por el ave negra-, uno de sus temas favoritos.

Antrophistoria

2009-02-10T20:29:00.003+01:00

Este blog es uno de los más completos e interesantes de los que he visitado, publica post de temas como la arqueología, antropología, historia o también ideas propias... Os invito que le dediquéis un poco de vuestro tiempo a mirarlo y de paso comentar y leer sus post, este blog "engancha".

Para acceder a este blog pincha aquí.

Saludos Antrophistoria.

Las señoritas de Avignon

2009-02-08T19:28:00.002+01:00

Este cuadro, marcó el comienzo de su Época Negra, y los críticos del siglo XX han querido ver en él la clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente.

Picasso rompe aquí con el realismo y rompe con las leyes de la perspectiva establecidas desde el Quattrocento. La obra tuvo un total rechazo. Sin embargo, Picasso, intuyendo su importancia, continuó investigando.

El tiempo le daría la razón y la obra cambiaría el curso de la Historia del Arte muy poco tiempo después. Se la considera el inicio del cubismo.

El tormento de Bacon llega al Prado

2009-01-30T16:21:00.003+01:00

El desasosiego y la virulencia de Francis Bacon (1909-1992) se cuelan en las paredes del Museo del Prado en un diálogo sus grandes maestros en el marco una gran retrospectiva sobre la obra de este artista, considerado uno de los más originales siglo XX. La muestra, que incluye 78 obras del artista entre las que se incluyen alguno de sus trípticos más importantes (Texto: Europa Press)

La parte oscura

Bacon, influido por las consecuencias de las guerras en Europa y las zozobras de la Guerra Fría, indagó en los aspectos más escondidos de la naturaleza humana mostrando la belleza y crueldad. La muestra, que abarca desde las obras más tempranas de Bacon, en los inicios de su carrera, hacia 1946-1949 , hasta finales de su vida, pretende ordenar las obsesiones sucesivas del artista.

Animalidad, Crucifixión, Aprensión o Crisis son algunos de los títulos de las secciones de esta exposición, que reflejan la preocupación del artista por la parte oscura del ser humano. También se exhibe importante material documental procedente de su taller con imágenes del artista en pleno proceso de creación.
EFE - 2009-01-30

Extraído de El País

El Prado publica las investigaciones que descartan que 'El Coloso' sea de Goya

2009-01-26T20:24:00.004+01:00

La reciente identificación de las iniciales "AJ" refuerzan la hipótesis de que el cuadro sea obra del pintor valenciano Asensio Juliá

El Museo del Prado ha publicado hoy en su página web las investigaciones realizadas por varios expertos en las que se descarta la autoría de Francisco de Goya en la obra El Coloso.

El amplio estudio se ha estructurado en varias partes que abarcan el análisis de documentación y bibliografía, la aparición del cuadro en la bibliografía especializada, la acogida de la crítica y las primeras referencias bibliográficas, que contribuyeron a su rápida aceptación como obra de Goya.

Se examina también la procedencia más antigua de la obra, así como su atribución y valoración ya entonces y su posible fecha de adquisición.
Finalmente, se analizan sus características técnicas, con la incorporación de los análisis del laboratorio, y su estilo, composición y significado, comparándolo con obras de Goya.
"Visto con luz adecuada se hace manifiesta la pobreza de su técnica, de su luz y colorido"

Desde que El Coloso llegó al Prado en 1931 fue aceptado y admirado como la máxima expresión del Goya moderno. A partir de ese momento se convirtió en una de las obras más citadas en la bibliografía de Goya y de las más populares.
Su tonalidad oscura y falta de luz en su materia determinaron que las fotos y reproducciones lo presentaran con resultados "fotogénicos, que no responden a la realidad del cuadro", se señala en la introducción del informe, en la que se afirma: "Visto con luz adecuada se hace manifiesta la pobreza de su técnica, de su luz y colorido, así como la marcada diferencia de El Coloso con las obras maestras, de atribución documentada de Goya".

La cuestión de la "mano" del artista, y desde luego, de la autoría del cuadro, ha recibido un fuerte apoyo con la reciente identificación de las iniciales "AJ" en la superficie de la pintura, "y de ahí la hipótesis de que el cuadro sea obra del pintor valenciano Asensio Juliá, conocido a partir de los últimos años del siglo XVIII como ayudante principal del taller de Goya".

Extraído de Público

El enigma sin fin

2009-01-13T20:32:00.002+01:00

Este cuadro es uno de los muchos cuadros en los que Dalí va a utilizar el método paranoico-crítico y que como modo de representación sustituye al Automatismo que los Surrealistas con Breton y Masson estaban defendiendo. El automatismo consistía en extraer lo irracional del inconsciente, no ejerciendo un control racional en el proceso de creación.

¿Qué ves? Deja volar tu imaginación ...

Contempla la totalidad de la obra y fíjate que parece un conjunto de motivos inconexos y nada claros, puede ser que, si eres muy avispado, hayas descubierto alguna cosilla . A ver si estás en lo cierto.
Descubre una mujer sentada de espaldas en una playa cosiendo unas redes de pesca y al lado de una barca.
Mira a ver ahora un filósofo echado y en actitud de pensar.
El rostro de "un cíclope estúpido".
Un galgo.
Una mandolina.
Una copa con peras y dos higos sobre una mesa.
Una bestia legendaria.
Cabeza de Gala (su mujer).

¿Lo has visto todo?

Héroes y Fito

2009-01-03T13:27:00.002+01:00

Deshacer el mundo

Rojitas las orejas

Tigre de "Artistras"

2008-12-30T16:40:00.000+01:00

Soledad

2008-12-30T16:31:00.001+01:00

Qué irónico… hay gente que no conoce a nadie…
Y se sienten solos.
Otros que conocen a muchas personas…
Y se sienten solos.
Y otros que no se conocen ellos mismos…
Y se sienten solos.

Yo no me conozco a mi misma
Y conozco a mucha gente,
Pero me siento terriblemente sola,
Me siento sola, vacía y triste…

De repente, ser capaz de sosegar un alma que grita
Y ser capaz de apaciguar la mía que muere…
Esas palabras que doy de consuelo…
Son tan solo palabras, no convicciones.

Ojos

2008-12-30T16:11:00.005+01:00

Todos los días cuando me acuesto, me pregunto porqué colocaron la ventana tan alta que no consigo ver los anocheceres.

Todos los días cuando me despierto, me pregunto porqué colocaron la ventana tan alta, que no consigo ver los amaneceres.

Presencia

2008-12-29T23:36:00.004+01:00

Con un movimiento sigiloso y delicado,

Tu toque es recepcionado por los latidos de mi corazón.

Por cada movimiento que haces,

Por cada caricia y sonrisa que consagras

Me trasladas a un trance,

Donde el espacio y el tiempo son una ilusión.

Por cada nota que vociferas,

Conformas una perfecta armonía,

Por cada respiración,

Tu pulso se electriza.

Tu presencia agudiza mi percepción,

Siento como si me interiorizo en ti,

Y que juntos,

Al compás de un sonido lejano,

Formamos una sola composición.

El museo Granet de Aix-en-Provence acoge una muestra multimedia sobre Picasso

2008-12-29T23:20:00.003+01:00

EFE
PARÍS.- El museo Granet de Aix-en-Provence (sureste de Francia) presentará a partir del 6 de enero un recorrido multimedia sobre Pablo Picasso, preludio de la exposición 'Picasso.Cézanne' que prepara para la próxima primavera.

Bajo el título 'Picasso. Métamorphoses' (Picasso. Metamorfosis), la experiencia multimedia estará abierta al público a lo largo de todo el año, hasta el próximo 15 de diciembre, según ha comunicado el gabinete del museo.

Los promotores subrayaron el carácter pedagógico e interactivo de esta manifestación que organiza el Museo Granet y que ocupa 400 metros cuadrados.

El recorrido interactivo ofrecerá al visitante las claves de lectura sobre el proceso de creación de Picasso (Málaga, 1881- Mougins (Francia), 1973) y la influencia que tuvo en él la obra de Paul Cézanne (1839-1906, Aix-en-Provence).

La exposición 'Picasso.Cézanne' se podrá ver del 25 de mayo al 27 de septiembre de 2009.

Extraído de El Mundo

Colores

2008-12-24T19:58:00.001+01:00

Este día hay que llenarlo de COLORES...

Joan Miró

2008-12-20T12:30:00.001+01:00

"Palabras"

2008-12-18T19:41:00.002+01:00

Las palabras son sólo eso... Palabras.
Hoy es un día un poco melancólico, triste, nostálgico... ¿Se nota?

Pablo Neruda

2008-12-18T19:31:00.004+01:00

Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

Escribir, por ejemplo: "La noche está estrellada,

y tiritan, azules, los astros, a lo lejos."
El viento de la noche gira en el cielo y canta.
Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

Yo la quise, y a veces ella también me quiso.
En las noches como esta la tuve entre mis brazos.

La besé tantas veces bajo el cielo infinito.
Ella me quiso, a veces yo también la quería.

Cómo no haber amado sus grandes ojos fijos.
Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

Pensar que no la tengo.

Sentir que la he perdido.
Oir la noche inmensa, más inmensa sin ella.

Y el verso cae al alma como al pasto el rocío.
Qué importa que mi amor no pudiera guardarla.

La noche esta estrellada y ella no está conmigo.
Eso es todo.

A lo lejos alguien canta.

A lo lejos.

Mi alma no se contenta con haberla perdido.
Como para acercarla mi mirada la busca.

Mi corazón la busca, y ella no está conmigo.
La misma noche que hace blanquear los mismos árboles.

Nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos.
Ya no la quiero, es cierto, pero cuánto la quise.

Mi voz buscaba el viento para tocar su oído.
De otro.

Será de otro.

Como antes de mis besos.

Su voz, su cuerpo claro.

Sus ojos infinitos.
Ya no la quiero, es cierto, pero tal vez la quiero.

Es tan corto el amor, y es tan largo el olvido.
Porque en noches como esta la tuve entre mis brazos,mi alma no se contenta con haberla perdido.
Aunque este sea el ultimo dolor que ella me causa,y estos sean los ultimos versos que yo le escribo.

"Si 'El Coloso' no es de Goya, hay que debatirlo"

2008-12-18T13:38:00.003+01:00

Valeriano Bozal, catedrático de Historia del Arte y comisario de la exposición 'Goya y el mundo moderno', junto con Concha Lomba, defiende la autoría de la pintura.

Cerca de los impresionantes lienzos de Saura, y con la presencia trágica todavía intacta de la masacre contada por Zoran Music, paramos para descansar después del paseo entre las casi 350 piezas de la muestra y hablar de Goya como precursor de los grandes temas que hoy aún respiramos, como lo grotesco, la violencia o lo cotidiano.

"A Goya le gusta curiosear. Sale a la calle y mira. Es un tipo de la calle"
Usted subraya el gusto como un concepto esencial en la época moderna.

Antes del siglo XVIII, el arte atendía a otros aspectos que no eran el gusto, como lo religioso, lo político, lo mitológico Hasta que interesa el placer que producen las obras de arte, el gozo.

El gusto es el rasgo propio de la modernidad.

¿Y ese gusto ha llegado hasta nuestros días?
"No tenía coartadas ideológicas, sino para defender a las víctimas"
Así es. No tenemos nada que ver con Rubens. Si pudiésemos, no colgaríamos un cuadro suyo en nuestra casa, porque no pertenecemos a su mundo. Estamos más próximos a Anselm Kiefer. ¿Por qué son tan familiares estos retratos de Goya, de hace casi 200 años? Por el gusto. El gusto de una época unifica a las gentes. Uno forma parte de una comunidad gracias al gusto, por eso uno de los modos de socializarnos es a través del arte y la cultura.

¿Por qué le interesó relacionar a Goya con el resto de pintores?
No es una visión ortodoxa de la Historia del Arte académica. Lo que importa es descubrir cómo mira Goya. Todo lo mira e interpreta a su gusto. A nadie se le ocurrió dibujar lo grotesco, sin más intención que esa. Él se divierte. Tiene el sentido de lo variado. No se especializó en el retrato, mitología o sólo bufones Atiende a la actualidad. Goya está abierto a todo lo que se le presente. Nunca dejó de ser pintor real, pero tampoco dejó de pintar por gusto.

De otra manera, El vuelo de brujas no hubiese sido posible.
Por supuesto. Y al hacer eso se comporta como el primer pintor moderno. Al tiempo que trabaja para sus encargos, él pinta lo que quiere. Lo que quiere es lo que ve. Para él todo es digno de ser pintado, y eso es absolutamente nuevo.

¿Un genio capaz de cambiar el gusto de una época y de las que vinieron después?
Sí, pero hay que precisar que no es alguien aislado, que se mueve en el vacío, hay que romper aquí con la idea tópica del genio romántico. A Goya le gusta curiosear. Sale a la calle y mira. Goya es un tipo de la calle. Un paseante, el adelanto del flâneur de Baudelaire.
Fue un pintor valiente.

Sí, porque no tenía coartadas ideológicas, sino para defender a las víctimas. En sus pinturas no hay banderas ni héroes. Todo es un mundo de horror. Tuvo mucho valor al separarse de la opinión común.

Sin embargo, ya no está aquí para defender su propia obra. Usted mismo tiene un libro publicado en Alianza Editorial, en 1994, titulado Goya y el gusto moderno, en el que la imagen elegida para la portada es el malogrado El Coloso, como imagen paradigmática del gusto moderno.

Eso fue pura casualidad editorial.

Además, en esta muestra han incluido el grabado con el mismo tema, pero sin respetar la nueva catalogación que se dio en la última exposición del Prado dedicada a Goya, en donde sin explicaciones se adelantó 18 años a la fecha que siempre se manejó.

Así es. No estoy para nada de acuerdo con esa nueva catalogación. Aquí aparece 1810-1812, que por otra parte es la oficial hasta que se presenten los estudios científicos por parte del Prado para la descatalogación de la pintura de El coloso.

De esta manera, adelantando el grabado a la pintura, se demostraría que Goya no siguió a un discípulo suyo, como se argumenta con la nueva catalogación. ¿Cree que ese es el motivo de la alteración de fechas?

Eso habría que preguntárselo a la comisaria que alteró las fechas.
¿Qué espera del estudio al respecto que debe presentar el Museo del Prado en los próximos días?

Que sea lo más riguroso posible, como todo análisis científico. Que con ese estudio delante se abra una puerta al debate, para llegar a un acuerdo sobre la autoría.

¿Es partidario de que la última palabra no sea la que dé el Prado?
Hasta el momento sólo conocemos el debate que se planteó con la prensa, pero no tenemos las pruebas finales que se han prometido. Cuando aparezcan habrá que debatir, porque es así como actúa una comunidad científica rigurosa.
De momento, ellos aseguran que tienen los mejores especialistas en Goya.

Hay que debatir.

Extraído de Público

Opera Carmen "La Habanera"

2008-12-18T13:31:00.001+01:00

Papageno aria "Ein Mdchen oder wibchen"

2008-12-18T13:25:00.001+01:00

Un añito más

2008-12-10T22:15:00.003+01:00

Muere lentamente quien no viaja,

quien no lee,

quien no oye música,

quien no encuentra gracia en sí mismo.

Muere lentamente

quien destruye su amor propio,

quien no se deja ayudar.

Muere lentamente

quien se transforma en esclavo del hábito

repitiendo todos los días los mismos

trayectos,

quien no cambia de marca,

no se atreve a cambiar el color de su

vestimenta

o bien no conversa con quien no

conoce.

Muere lentamente

quien evita una pasión y su remolino

de emociones,

justamente estas que regresan el brillo

a los ojos y restauran los corazones

destrozados.

Muere lentamente

quien no gira el volante cuando esta infeliz

con su trabajo, o su amor,

quien no arriesga lo cierto ni lo incierto para ir

detrás de un sueño

quien no se permite, ni siquiera una vez en su vida,

huir de los consejos sensatos...

¡Vive hoy!

¡Arriesga hoy!

¡Hazlo hoy!

¡No te dejes morir lentamente!

¡NO TE IMPIDAS SER FELIZ!

Pablo Neruda

J.Luis Perales & Roxette

2008-12-07T20:36:00.004+01:00

Un bonito día...

Kandinsky

2008-12-06T20:43:00.003+01:00

Renée Vivien

2008-12-02T16:02:00.008+01:00

Grito

Tus pupilas azules, tus entornados párpados,

encubren un fulgor de confusas traiciones.

La emanación violenta, maligna de esas rosas

me embriaga como vino donde duermen venenos.

A la hora en que danzan, dementes, las luciérnagas,

y asoma a nuestros ojos el brillo del deseo.

En vano me repites las palabras de halago,

y te odio y te amo abominablemente.

Desnudez

La sombra arrojaba sobre ti efluvios de congoja

El silencio se tornó turbador y amoroso

Escuché un susurro de pétalos frotados

Lirio entre lirios, blanco, se me mostró tu cuerpo.

Sentí de pronto indignos mis toscos labios

Mi alma cumplió un sueño perturbado de posar

sobre tu encanto donde la luz se remoloneaba,

el tembloroso soplo de algún místico beso.

Desdeñando el universo que el deseo encadena

guardaste helada tu sonrisa inmortal:

la belleza persiste extraña y sobrehumana

Y demanda la distancia brillante del altar.

En torno a ti, esparcidos, sollozaban los nardos

tus senos se erguían,orgullosos de su pureza.

ardía en mi mirada el doloroso éxtasis

Que nos abraza en los umbrales de la divinidad.

Vincent Van Gogh

2008-12-02T14:06:00.002+01:00

Se puede ver que tengo el blog un poco parado, que casi no publico pero es que el tiempo no me sobra... En épocas de exámenes, ya se sabe.

Aquí os dejo una de las principales obras de este artista que simboliza un remanso de paz tras el desorden de su vida anterior. Es esa impresión de quietud lo que el pintor quiso reflejar en esta célebre obra.

Héroes del silencio

2008-11-01T16:11:00.006+01:00

Gracias por ser así...

"Rostro de mujer" de Artistras

2008-10-21T20:01:00.002+02:00

" Me gustas cuando callas"

2008-10-21T19:46:00.005+02:00

Me gustas cuando callas porque estás como ausente,

Y me oyes desde lejos, y mi voz no te toca.

Parece que los ojos se te hubieran volado

Y parece que un beso te cerrara la boca.

Como todas las cosas están llenas de mi alma,

Emerges de las cosas, llena del alma mía.

Mariposa de sueño, te pareces a mi alma,

Y te pareces a la palabra melancolía.

Me gustas cuando callas y estás como distante,

y estás como quejándote, mariposa de arrullo.

Y me oyes desde lejos, y mi voz no te alcanza,

Déjame que me calle con el silencio tuyo.

Déjame que te hable también con tu silencio.

Claro como una lámpara, simple como un anillo.

Eres como la noche, callada y constelada.

Tu silencio es de estrella, tan lejano y sencillo.

Me gustas cuando callas porque estás como ausente,

Distante y dolorosa como si hubieras muerto.

Una palabra entonces, una sonrisa bastan.

Y estoy alegre, alegre de que no sea cierto.

Pablo Neruda

"Flores" de Artistras

2008-10-15T17:27:00.002+02:00

Hoy me apetece poner un fragmento de la Apología de Sócrates de Platón porque me perece muy interesante:

Jamás mientras viva, dejaré de filosofar, y de instruir a todo el que se encuentre, diciéndole una y otra vez: Querido amigo, eres un ateniense, un ciudadano de la mayor y más famosa ciudad del mundo por su sabiduría y su poder, y ¿no te avergüenzas de velar por tu fortuna, por tu prestigio y tu honor, sin que en cambio te preocupes para nada por conocer el bien y la verdad ni de hacer que tu alma sea lo mejor posible?

"Mosaico" de Artistras

2008-10-07T12:09:00.005+02:00

"Bodegón" de Artistras

2008-09-21T13:50:00.000+02:00

"Mirada de niña" de Artistras

2008-09-15T18:38:00.001+02:00

"Niño pensando" de Artistras

2008-09-15T18:34:00.001+02:00

Gernika

2008-09-05T03:07:00.003+02:00

El Gernika es una de mis pinturas predilectas, por la composición y por el trasfondo que posee. Este famoso cuadro pertenece al pintor Pablo Ruiz Picasso y se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid. El cuadro tiene como motivo el bombardeo de Gernika (El ataque aéreo ejecutado por la Legión Cóndor y Saboia a favor del bando nacional y contra la población vasca de Gernika durante la Guerra Civil) y está colmado de símbolos.
En primer lugar se puede ver a un hombre despedazado, es el símbolo visual de la masacre, en la mano izquierda tiene una estrella de cinco puntas y en la derecha sostiene una flor y una espada rota que se interpreta como un ápice de esperanza.
A la izquierda del cuadro se puede distinguir un pájaro negro que representa a los aviones alemanes, todas las miradas se dirigen hacia él por el dolor y la tristeza que ha causado.
Aparece a la izquierda un toro con el cuerpo negro y la cabeza blanca que gira al verse atolondrado por la situación.
Debajo del toro se halla una madre (con su bebé muerto en brazos) cuyo dolor se ve expresado en sus ojos en forma de lágrimas.
En el centro del cuadro la yegua representa el dolor máximo y los ojos en círculo con un punto dentro enuncian una triste sorpresa.
En la parte derecha se puede ver a una mujer con las posaderas al descubierto, cuenta una anécdota que fue porque el ataque la sorprendió en el baño.
Por la ventana ingresa una mujer de una forma surrealista, con una vela en la mano y flotando con la mirada perdida.
A la derecha aparece una mujer mirando al cielo intentando salir de un edificio que arde.
Por último quería añadir que los colores del cuadro aumentan el drama, pero que sin duda para mí es uno de los mejores cuadros de la historia.

Circuito cultural 2008 en Llerena

2008-09-03T17:55:00.010+02:00

A través de las Universidades Populares se presenta este circuito de exposiciones relacionado con las artes plásticas y la artesanía. Dicho Circuito Cultural es la apuesta por la difusión de las artes plásticas, la promoción de artistas extremeños y ante todo el fomento del arte en su conjunto.
Se van a mostrar la variedad en diferentes campos: En pintura, dibujo, escultura, cerámica y fotografía.
En el campo de la fotografía se va a mostrar nuestro patrimonio arquitectónico, creado con la colaboración de Antonio de la Cruz: Historia de la Arquitectura en Extremadura de la que presentamos su primera edición sobre: "Prehistoria y Roma". Por otro lado Miguel Ángel Plaza nos va a mostrar una sucesión fotográfica: Rostros del mundo.
Dentro de las Artes Plásticas, vamos a disfrutar de una gran variedad de temas y técnicas, de la mano de distintos pintores y escultores como: Soledad Aza Contreras, Fernando Vélez, Manuel Mata, Eduardo Sánchez, Zenón Labrador, Manuel Vega y Charo Berrocal.
Este circuito se verá complementado con jornadas y talleres de creación impartidos por algunos de estos artistas.

Rostros del mundo.
Estas fotografías nos brindan la opción de conocer otras culturas, sus costumbres, la armonía de sus gentes… Esta colección fotográfica pertenece a: Miguel Ángel Rodríguez Plaza
Y se expondrá en Llerena del 3 al 9 de noviembre.

Sinfonía de emociones.
Manuel Mata Gil este escultor busca e investiga la representación de la belleza y de los sentimientos a través del arte. Para él expresar es ofrecer una nueva aportación a la escultura, la escultura tiene una función didáctica, pedagógica y terapéutica.
Son una serie de 16 esculturas o conjuntos escultóricos en técnica mixta.
Estas esculturas se expondrán en Llerena del 1 al 14 de septiembre.
Manuel Mata ofrecerá charlas y talleres en las Universidades Populares participantes que lo soliciten.

Buceadores en arte.
Pintura, dibujo, escultura y grabado realizado por los alumnos y ex-alumnos del IES Reino Aftasí de Badajoz.
Las expresiones artísticas no se reducen a una sola técnica, estos alumnos han utilizado diferentes técnicas como xilografía, grabado en linóleo, acrílico, lápices acuarelables etc. Ellos piensan que la realidad es valida, pero opinan que “ver es una cosa y pintar es otra”
Entre esas obras destacan Homenaje a Picasso (díptico) de Antonio Otero, Brillo de Soledad de Gerardo Pozo, Cerezas de Paula Pecero etc. En conjunto son 20 obras de diferentes autores y técnicas que estarán en Llerena del 17 al 23 de noviembre.

Cerámica Ibérica.
Se define como una producción alfarera a torno, cocida a temperatura en hornos de cocción oxidante fechada del siglo VI al I a.C. En cuanto al origen de las cerámicas Ibéricas pintadas, se establece una correlación entre las importaciones fenicias del siglo VII a.C.
Se extiende desde Andalucía hasta el Mediterráneo y la zona oriental de la Península hasta el sur de Francia.
En Andalucía se decoran con animales y motivos vegetales.
Las cerámicas del sudoeste se decoran con peces con motivos rameados, en su cerámica hay aves, cuadrúpedos y figuras femeninas.
En el levante se decoran con formas vegetales y rosetones con temas geométricos.
En Barcelona y Gerona imitan cráteras y copas griegas (s. IV a.C.).
Estas obras son 30 piezas de barro rojo pintadas a mano con sanguina.
En Llerena se expondrá desde el 15 de septiembre hasta el 21. Esta obra pertenece a Charo Ojeda Tovar.

Logos del paisaje.
Estas pinturas tratan de captar la transformación de la naturaleza que no se ve mediante el ojo humano, sacando la luz que diferencia a cada tipo de paisaje. Muestra los sentimientos más ocultos del autor. Son 26 obras pictóricas sin título en óleo sobre papel, acuarela sobre papel y tinta china y laca sobre papel es diferentes formatos.
Se encontrará en Llerena del 1 al 4 de septiembre.
El autor de dichas obras se llama: Fernando Vélez.

El pequeño formato.
Son 20 obras en acrílico sobre lienzo o tabla y una en lápices sobre cartón, su autor es Zenón Labrador licenciado en Bellas Artes por la universidad de Sevilla, ha sido monitor de pintura en la Universidad Popular de Llerena y en la actualidad es profesor de dibujo en ESO.
Sus obras excitan sensaciones, convierte el pensamiento en pintura.
Sus obras se expondrán en Llerena del 6 al 12 de octubre.