La 'Gioconda' de El Prado fue realizada al mismo tiempo que el original

Las bodegas del Museo del Prado han sido el escenario de uno de los más importantes descubrimientos de la Historia del Arte: los conservadores de la pinacoteca han hallado en sus fondos una réplica de la Gioconda de Leonardo da Vinci, pintada por uno de sus pupilos favoritos, probablemente Andrea Salai (que a la postre se convertiría en uno de los amantes del maestro) o Francesco Melzi. Los expertos del Prado han empleado varios meses en estudiar, limpiar y quitar el oscuro barniz que cubría la tabla. Lo que durante muchos años fue considerado en el seno del Prado como una copia más –y bastante banal- del retrato más célebre del arte mundial ha acabado siendo catalogado como una verdadera bomba. Tanto los máximos expertos del Prado como los del Museo del Louvre han aceptado ya el carácter oficial del hallazgo (según informaciones a las que ha tenido acceso este periódico y que también está recogiendo el periódico online Art Newspaper), y han subrayado la importancia del mismo. Con toda probabilidad, la obra será cedida temporalmente a sus colegas del museo parisiense por por los responsables del Prado, que confirmaron el descubrimiento a EL PAÍS. Allí será exhibida en la misma galería donde se encuentra la Gioconda, la obra más visitada del Louvre.

No estamos ante una mera copia del retrato de las muchas que pululan por el mundo: se trata de un verdadero work in progress, un retrato paralelo, una especie de fotocopia ejecutada de forma simultánea por el alumno mientras el profesor pintaba su obra maestra. Hay que subrayar, además, que el tamaño de original y réplica es prácticamente el mismo: 77 X 53 centímetros para el primero, y 76 X 57 para la segunda. El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original en su estudio de Florencia, lo que además arrojará nuevas informaciones sobre la forma en que se trabajaba en los gabinetes de los grandes maestros. Diversos estudios fotográficos y radiológicos efectuados sobre el cuadro arrojan resultados que, muy probablemente, van a cambiar el rumbo de las teorías e interpretaciones en torno al inmortal retrato de la que, según la tesis más respetada, pudo ser la joven Lisa Gherardini, esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo.

Durante mucho tiempo, los expertos del museo madrileño creyeron que la obra que dormía en sus depósitos –y que incluso llegó a ser colgada durante un tiempo en sus paredes- había sido pintada por un artista flamenco u holandés: el soporte, tabla de roble, no era utilizado por los artistas florentinos, que preferían el uso de otros soportes… como el nogal. Sí por los flamencos, lo que llevó a los conservadores a considerar la pintura como obra flamenca. Pero estudios posteriores arrojaron nuevos resultados: la copia de la Gioconda no estaba hecha sobre roble sino sobre… nogal.

Otro de los motivos cruciales de que la pintura permaneciera escondida durante siglos se refiere al fondo del retrato, totalmente oscuro, por contraposición al original del Museo del Louvre, en el que puede apreciarse el verde paisaje de la Toscana. Hoy se cree que ese fondo negro fue añadido al cuadro en el siglo XVIII. Los restauradores del Prado emplearon meses en despojar a la tabla de su absurda oscuridad y, sorpresa, se toparon con la luz, el color y el trazo de los mismos paisajes del norte de Italia presentes en el original de Leonardo da Vinci. En estos momentos, el equipo de restauración de la pinacoteca madrileña continúa adelante con su trabajo, retirando las sucesivas capas de barniz que durante más de 500 años han ido tapando el rostro de la joven del cuadro. Con toda lógica la obra objeto del hallazgo goza, tras ser convenientemente saneada, de un estado de conservación muy superior al de la Monna Lisa del Louvre: el rostro del original de París permanece oscurecido por el barniz envejecido por el paso del tiempo, lo que hace que el aspecto de la muchacha del cuadro parezca el de una mujer de mediana edad, mientras que el del Prado ofrece ahora la visión de una chica de unos 20 o 25 años. El mundo del arte está, en otras palabras, ante una Gioconda rejuvenecida.

El equipo directivo del Prado, con su director Miguel Zugaza a la cabeza, tenía previsto presentar en sociedad este hallazgo el día 23 de este mes, pero una ponencia presentada hace dos semanas en un congreso celebrado en Londres ha precipitado las cosas. En dicha reunión de expertos en pintura del Renacimiento se llegó a mostrar una fotografía que mostraba el proceso de limpieza: el antes y el después de la copia, con el fondo negro, y sin él. También se habló en el congreso londinense (celebrado de forma paralela a la exposición de la National Gallery Leonardo da Vinci, pintor de la corte de Milán) de las pruebas de reflectografía por infrarrojos efectuadas en la tabla; dichas pruebas fueron comparadas con las que en 2004 se aplicaron al original del Louvre, arrojando sorprendentes resultados en cuanto a la similitud con el original. Ana González Mozo, una de las especialistas de la pinacoteca madrileña, presentó una ponencia en la que establecía la evidencia de que la copia salió del estudio de Leonardo. Las razones por las que el maestro deseó y permitió que un discípulo ejecutara una réplica de forma paralela a su trabajo es todo un misterio. El propio misterio que siempre rodeó a la propia vida de Leonardo da Vinci…

Extraído de El País

La Muerte de Jacinto de Jean Broc

Apolo es una divinidad antigua, fruto de una de las relaciones extramatrimoniales de Zeus con Leto y hermano de Artemisa, la diosa de la caza.

Hera se enteró del engaño y condenó a Leto a parir de noche y lejos de tierra firme, por lo que eligió la isla errante en la que se había convertido su hermana Asteria.

Primero nació Artemisa que recién nacida ayudó en el parto de su hermano. Este se convertirá en el dios de la música cuyo atributo principal va a ser la lira que es un regalo de Hermes.

Este despertó la ira de Hera y le mandó una serpiente pitón para que matara a él y a su hermana.

Apolo protagonizó una serie de romances pero no obtuvo descendencia. .

Una de sus relaciones más llamativa fue la que desempeñó junto a Jacinto un joven bello e imberbe. .

Este amor acusó una enorme envidia en Céfiro (viento del oeste), que mientras estos estaban practicando deporte este desvió el disco y mató a Jacinto.

Esta situación le produjo un enorme dolor a Apolo, en el que en este cuadro le vemos abrazar a su amante. De la sangre derramada de Jacinto en la tierra brotó una flor que lleva su nombre. Parece que en los pétalos de la flor están representadas las dos letras griegas “alfa” e “iota” (¡Ay!) de la expresión de dolor que sintió Apolo al ver a Jacinto yaciendo inmóvil sobre el suelo.

En este cuadro de Jean Broc, aparece Apolo abrazando a Jacinto. Apolo porta el carcaj típico de su condición de Apolo Flechador, vemos que también aparece el disco con el que muere Jacinto. ..

Los colores utilizados son unos pasteles muy suaves y claros, el ritmo de la composición es ascendente.

En la parte baja del cuadro vemos que de la sangre de Jacinto ya ha brotado la flor.

Percibimos el gesto amable de la cara de Jacinto y los rasgos dúctiles de Apolo. En definitiva es un hermoso cuadro que refleja a la perfección el tema mitológico de La Muerte de Jacinto.

Capitel visigodo de la fortaleza musulmana de Reina (Badajoz)

Regina Turdulorum es una ciudad romana que se encuentra en los aledaños de Casas de Reina, en la Campiña de Llerena. Esta ciudad floreció por estar situada en un enclave rico en minas de hierro y plomo. En poco tiempo se convirtió en el centro político, económico y social de la zona, hasta su abandono.

Perduró durante varios siglos en la antigua demarcación geográfica denominada Baeturia Turdulorum, que en épocas posteriores ocupó el Conventus Cordubensis. Su decadencia pudo venir en los años posteriores al II Concilio Hispalense, donde en una de sus actas aparece todavía nombrada. Por lo tanto, en el año 619 todavía estaba habitada.

Con la llegada de los pueblos germánicos a Hispania y, más concretamente, con la instauración de los visigodos en la península, Regina Turdulorum inició su imparable decadencia. La poca población que perduró en esas tierras comenzó a habitar en las alturas por la inestabilidad de los reinos germánicos y la inseguridad que esa situación generaba. Hay escasos restos y poca información de la época visigoda en esta zona, pero es destacable la conservación de dos columnas visigóticas, que actualmente se aprovechan en una ermita de estilo mudéjar de la cumbre de la Sierra de las Nieves, a pocos kilómetros del antiguo asentamiento romano.

En el siglo XII, ya en época andalusí, los almohades levantaron una fortificación en esta elevación natural, utilizando mucho material de reaprovecho de la yaciente cuidad romana. Se pueden observar en sus fuertes muros de tapial, sillares graníticos y algunas incrustaciones del material de la Regina Turdulorum romana.

Finalmente, a partir de la reconquista del sur de Extremadura, en el siglo XIII, por la Orden de Santiago, a manos de Pelay Pérez Correa, será Llerena la población que irá adquiriendo preponderancia en la zona, y comenzará el colapso de la fortaleza islámica, que perdurará como un simple espectro de lo que fue con sus moradores andalusíes.

En la actualidad, en la fortaleza islámica de Reina podemos encontrar, como decíamos anteriormente, dos columnas de época visigoda. En general, el arte visigodo se desarrolló en Hispania principalmente entre los siglos VI y VII. Los principales focos de desarrollo de la arquitectura visigoda fueron Mérida, Córdoba, Tarragona y Toledo. Gracias a las fuentes literarias de la época, tenemos noticias de muchos edificios construidos con los germanos en estas ciudades, pero nos han llegado escasas muestras. Fundamentalmente contamos en la actualidad, como ocurre en el caso de la fortaleza de Reina, con elementos de soporte como pilastras y columnas y, en ocasiones, algunas placas de piedra que servían para separar el presbiterio de las naves, conocidas como canceles.

Por ende, en el interior de la fortaleza se encuentra la ermita mudéjar de Nuestra Señora de las Nieves, construida en el siglo XV, y cuyos orígenes pueden encontrarse en la época visigoda. La ermita es de una sola nave, con estancias laterales y cabecera abovedada. El coro está sostenido por una columna visigoda y fuera, en el atrio, hay dos arcos de medio punto sostenidos por otra columna del mismo estilo. Están talladas en granito y son los únicos vestigios claros de arte visigodo en la fortaleza.

La columna del atrio de la ermita de Nuestra Señora de las Nieves data del siglo VII. El capitel, por un lado, responde al tipo de simplificación bizantina del capitel corintio. Tiene tres grandes hojas de acanto que hacen a su vez de volutas, y otras hojas menores que cumplen la función de collarino. El fuste, por otro lado, es sogueado al estilo de los celtas que poblaron la península en la Edad de Hierro. Por último, la iconografía de las hojas de acanto hacen referencia al Bautismo.

Para finalizar, no es fácil encasillar esta columna en una escuela visigoda por la poca información que tenemos de esta época en esta zona, debido a los escasos estudios que se le han practicado.

Vendido un Miró por 5 millones de dólares en TEFAF, la Feria Internacional de Arte y Antigüedades de Maastricht

La cita ha sufrido un robo de joyas muy valiosas que está siendo investigado por la policía holandesa

La Feria Internacional de Arte y Antigüedades (TEFAF), de Maastricht (sur de Holanda), ha abierto su 24 edición con una venta espectacular. Una escultura de madera de olivo de Miró, fechada en 1945 y titulada "Oiseau Lunaire", ha sido comprada por 5 millones de dólares por un coleccionista particular. Exhibida por la galería Landau, de Montreal, la pieza ha permanecido 40 años en una residencia privada.

TEFAF es la cita más importante del mundo de su clase, y la tarde del domingo, apenas abrió sus puertas al público, sufrió un robo de joyas. La policía holandesa ha reforzado las medidas de seguridad en la ciudad y su aeropuerto, ya que la mayoría de los compradores de la feria llega en aviones privados.

Hasta el momento, han aterrizado 125 en Maastricht (en la feria equivalente española, ARCO, no se llegó a la media docena de jets privados).

En 2008 y 2010 también desaparecieron piezas selectas de la sección de joyería, una de las más visitadas de TEFAF. El valor conjunto de las joyas sustraídas entonces ascendía a unos 2 millones de euros.

Este año, 260 expositores de 16 países exhiben unas 30.000 obras (desde cuadros de Renoir y Rembrandt a obras del Neolítico) certificadas por los expertos.

Extraído de El País

De Akenatón a Hosni Mubarak

Corrupción, revuelta, violencia, contrarrevolución... ¿El Egipto de 2011? No, el de 1.300 antes de Cristo. El país que hoy mantiene su pulso contra Hosni Mubarak, vivió uno de las primeras grandes revueltas contra una clase oligárquica de la Historia.

Claro que aquella no fue una revolución desde abajo hacia arriba, sino de arriba a abajo. De hecho, aquel vuelco histórico tuvo un autor: el misterioso Akenaton, el décimo faraón de la dinastía XVIII de Egipto. Recordemos: Akenaton, que pudo ser hijo de Tutankamon (un reciente estudio lo asegura), rompió con el monoteísmo, desafió a la corrupta clase sacerdotal, que acaparaba el poder, e impulsó una modernización de las estructuras del poder en su reino. Estos cambios lo convierten en el primer reformador religioso del que se tiene conocimiento y, a su manera, en el primer héroe contra la corrupción que se conoce en Egipto.

Akenatón afianzó el poder real y ordenó construir una nueva capital en el desierto, Akenatón (la actual Tell-Amarna) -a mitad de camino entre Menfis y Tebas, las dos anteriores grandes capitales- consagrada al dios Atón. En el ámbito artístico, sustituyó el hieratismo caracterísitico de las grandes esculturas egipcias por un aspecto más naturalista.

Su aventura acabó mal. Tras su muerte, el viejo régimen recuperó el poder y sepultó el recuerdo de Akenaton, hasta que los restos de 'su cultura' fueron hallados en el siglo XX,.

Más o menos, ésa fue la misma suerte que corrió, un milenio después, Hipatia de Alejandría una de las grandes defensoras de la racionalidad, que murió linchada por una turba de cristianos. Aunque no se conserva ninguna de sus obras, Hipatia es considerada la primera mujer matemática de la historia. "Había una mujer en Alejandría que se llamaba Hipatia, hija del filósofo Teón, que logró tales alcances en literatura y ciencia, que sobrepasó en mucho a todos los filósofos de su propio tiempo", dijo de ella el filósofo Sócrates Escolástico.

Retratada por Alejandro Amenábar en su película 'Ágora', escribió tratados sobre matemáticas y astronomía y se cree que mejoró y construyó instrumentos astronómicos como el astrolabio o el planisferio.

Extraído de El Mundo

Fernando Botero expondrá en Nueva York una serie sobre el Vía Crucis

No espera un éxito de ventas en su próxima exposición en la prestigiosa galería Marlborough neoyorquina, ni es algo que le preocupa.

Fernando Botero sólo quiere expresar el dramatismo del Vía Crucis de Jesucristo en unos sesenta u ochenta lienzos, acuarelas y dibujos, de los cuales escogerá veinticinco para las paredes de la mencionada sala.

Y afirma que es consciente que los temas religiosos y, menos si están salpicados de sangre, no son los favoritos de los compradores actuales.

"El drama de la crucifixión es tan grande que me movió a hacer estos cuadros", dijo el artista en una entrevista exclusiva al diario bogotano 'El Tiempo'.

Recuerda que ya en el pasado trabajó sobre la violencia en Colombia en unos extraordinarios cuadros que describen, entre otras cuestiones, la guerra que libró el cártel de Medellín contra el Estado y que se exhiben en el Museo de Antioquia.

También sorprendió hace unos años con una magnífica serie sobre las torturas de Abu Grahib.

Ahora expresará "la violencia contra la que combatió la divinidad de Cristo. Yo represento la idea de un hombre que produjo una gran revolución, un ser admirable por su filosofía, pero tratando de evitar la divinidad porque la Iglesia ha inventado muchos mitos alrededor de Cristo y la Virgen", comenta.

"Yo soy cristiano y, aunque dudo de muchas cosas, siempre persiste en el cerebro la idea de Cristo como la idea de Dios. Como artista no lo puedo aceptar: Tengo que hacerlo con la admiración que tengo sobre el hombre extraordinario".

En el Vía Crucis de Botero no estarán presentes una a una las catorce estaciones. "Son muchos aspectos de su camino de Vía Crucis: El beso de Judas, la crucifixión misma, el dolor de la Virgen, el entierro de Cristo, Poncio Pilatos, la presentación de la corona de espinas, el Ecce Homo, el camino cargando la cruz", explica el maestro colombiano.

"Algo que impresiona mucho mi imaginación es el momento en que clavan las manos y los pies de Cristo. Sobre eso he hecho dos pequeños óleos: La mano de Cristo, el clavo y el martillo".

En noviembre

Será en noviembre cuando espera que la exposición, en la que está dedicado por completo, vea la luz en una ciudad que, en su opinión, es "posiblemente el sitio menos propicio porque es una sociedad completamente secular, donde la gente no piensa más que en los negocios. Que, de pronto, le traigan a Cristo, es lo opuesto a todo lo que significa y hace Nueva York, que es hoy una apología del vicio".

Recuerda que le advirtió al director de la Marlborugh, Pierre Levai, que "posiblemente no venderá ni un cuadro porque el tema religioso no interesa mucho y porque casi nadie quiere tener cuadros con sangre en la casa. Pierre me dijo: 'Hacemos la exposición y si no vendo nada, no importa'. Afortunadamente tengo una galería que me deja hacer lo que yo quiero".

La nueva obra de Botero dejará al espectador algo perplejo porque Jesucristo carga su cruz por el Rockefeller Center y los personajes no responden todos a la época, sino a los tiempos actuales. "Alguien que no conozca la historia de la pintura quizá piense que puede ser una falta de respeto poner a un señor de corbata al lado de Cristo o a un policía dándole bolillo", dice.

Relata que fue la Revolución Francesa la que "cambió la actitud del intelectual del hombre. El artista comenzó a sentir vergüenza de mostrar su religiosidad. Era casi motivo de burla ser religioso. Nadie se atrevía a pintar eso".

Otro de los aspectos llamativos de su entrevista es su crítica al arte contemporáneo estilo el famoso orinal de Duchamp. "El arte efímero es una expresión menor que no se puede comparar con la idea del arte concebido con el deseo de perpetuidad. Lo que mucha gente no entiende es que Picasso es un artista tradicional. Yo soy supertradicional, en el sentido de que pienso que el arte se desarrolló como una cadena en la cual un artista se apoyaba en al anterior, para seguir adelante en la búsqueda de expresiones nuevas", asevera.

"El arte efímero se degrada por sí mismo". Y agrega que el de personas como el citado se trata de "un concurso por la extravagancia, no por el arte. Lo que la prensa refleja es el escándalo o la extravagancia. Para ella, que la pintura sea una cosa que tenga calidad no es noticia, pero sí que alguien presente la fuente como un orinal". De ahí que admita que no admira a los artistas "que (hacen) obras como lanzar bombones o tirar pinturas sobre lienzos a ver qué sale".

Extraído de El Mundo

El arrebato asesino de Caravaggio

El pintor mató a un joven mientras jugaban un partido de palla a corda.

Caravaggio ha venido al mundo para destruir el arte", dijo el pintor francés Poussin cuando se acercó a la obra del artista lombardo por primera vez, a finales del siglo XVI.

Sin embargo, Michelangelo Merisi di Caravaggio (1571-1610) se destruyó a sí mismo. Muchos historiadores coinciden en que el artista sufría impulsividad psicopática, lo que le hacía superar los límites de la vehemencia y le convertían en un auténtico pendenciero, hasta el punto de ser capaz de atacar a alguien por el más mínimo malentendido.

Sin embargo, el motivo por el cual el pintor dio muerte a Ranuccio Tomassoni, entre las 19 y las 22 horas del 29 de mayo de 1606 (según recogen Riva & Viganò en su libro Un delitto al giorno), fue por una discusión mientras se enfrentaban durante un partido de pala a corda (precursos del tenis), donde se juegaban diez escudos.

En Roma, todos conocían al genio del Barroco. La gente murmuraba a su paso y los más medrosos evitaban cruzarse con aquel tipo de aspecto tenebroso, vestido con sombrero y capa negra.

Corría el rumor de que, cuando era tan sólo un niño, en Milán había matado a un compañero de juegos tras un berrinche y su familia le había mandado a Roma para librarse de él. Llegaría a la capital "desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones... además de corto de dinero", afirma Peter Robb en su libro M. L'enigma Caravaggio.

Sin embargo, pocos años más tarde, se convertiría en el pintor más importante de la ciudad a causa, además de por su talento, del mecenazgo del cardenal Di Monti, para quien pintó la Capella Contarelli.

Corría el rumor de que cuando era un niño, había matado en Milán a un compañero de juegos
Tomassoni fue descrito por Baglione, artista contemporáneo de Caravaggio, como un "joven de mucho garbo", utilizando la palabra garbo en el documento original para hacer alusión a su descendencia española. A pesar de carecer oficialmente de títulos, Tomassoni pertenecía a una familia aristócrata con influencias políticas, gracias a la relación que su padre, el coronel Luca Antonio, mantenía con el nuevo Papa, Pablo V.

Por su posición, nadie pudo entender por qué aquella noche, en Campo Marzio, el joven quiso llegar tan lejos y plantar cara a Caravaggio. El espectador anónimo Onorio Longhi, que según Riva & Viganò estuvo presente en el altercado, declaró que "fue una cuestión de honor".

Baglione, en su crónica sobre aquella historia de la que todo el mundo hablaba en Roma, discrepó de Longhi: "Más que honor, lo que a Tommasoni le pudo fue la vanidad, su virilidad, su imagen de hidalgo".

Caravaggio sabía quién tenía en frente, pero no por ello tuvo problemas en desenfundar su espada y clavarle la punta en el muslo. Cuando Tomassoni cayó al suelo, Carava-ggio se acercó a él "riendo, con la carcajada cargada de ira" y, sin pensarlo, le dio un corte sobre el pene, burlándose de su hombría. La incisión no fue precisa: en vez de castrarlo, le cercenó una arteria y, al poco tiempo, Tomassoni moriría desangrado. Mientras el joven perdía sangre por el pene, se dice que Caravaggio decidió huir de Roma y pasar algunos días fuera de la ciudad, hasta que las aguas volviesen a su cauce.

Sin embargo, para Robb, "Caravaggio se escondió tras los candados de Villa Firenze". El palacio estaba a pocos pasos del Campo Marzio, propiedad de Di Monti y residencia oficial de Giovanni Niccolini, embajador de la Toscana. Caravaggio había trabajado para ambos y, como concluye Robb, "pensaron que era mejor perder a un noble sin título que meter preso a un genio". .

Mientras el joven perdía sangre, Caravaggio decidió huir de Roma y pasar algunos días fuera.

Extraído de: Público

Arte Egipcio

El río Nilo fue el vertebrador de Egipto. Al norte, se encontraba el delta y al sur, el valle.

El Nilo era la principal vía de comunicación entre vivos y muertos, los egipcios residían en la orilla derecha por donde nacía el sol y los muertos se enterraban en el margen izquierdo, como el ocaso.

Además, fertilizaba la tierra con sus crecidas dejando los campos preparados para cultivar el cereal y el lino. El régimen anual de la riada tenía su correlato con la trayectoria diaria del Sol. Al alba, Horus; al mediodía, Re; y al anochecer, Atón.

El templo egipcio

El templo cobrará importancia en el Imperio Nuevo, su característica definitoria fue su monumentalidad y su gran belleza. Este, presentó un esquema clásico: Avenida de esfinges o de carneros que desembocaba en la puerta de entrada custodiada por pilonos. Delante se erigía el obelisco y las grandiosas estatuas del faraón. En el interior del templo se disponían en eje longitudinal el patio y varias salas hipóstilas que conducían a las capillas, donde se encontraba la barca de Osiris y la imagen del Dios.

En cuanto a la técnica, la arquitectura era arquitrabada (con columnas como soporte habitual), los techos iban descendiendo en altura y la iluminación se iba haciendo opaca, excepto en la sala de la estatua divina, donde la luz entraba por una tronera.

Se dieron tres tipos de templo debido a su evolución arquitectónica: Al aire libre (Templo del dios lunar Khonsu, en Karnak), el semiespeo, que presenta al exterior la mitad de sus partes, excavando las salas hipóstilas y la capilla en la roca (el de la reina Hatshepsut); y el espeo, perforado totalmente en la roca (Gran espeo de Ramsés II y pequeño espeo de su esposa Nefertari, construido por Abu Simbel entre el año 1290-1224 a.C.)

Arte Prehistórico

El arte prehistórico comprende las manifestaciones plásticas realizadas por el Homo Sapiens Sapiens en el ocaso de la Edad de Piedra y en la Primera Edad de los Metales.

La recta final de la Edad de Piedra ha sido subdividida por los prehistoriadotes en tres grandes fases: el Paleolítico Superior (32000-9000 a. C.) donde surge una cultura de cazadores y recolectores en el entorno glaciar; el Mesolítico (9000-6000 a. C.) en el cual se produce la aclimatación de estas comunidades; y el Neolítico (6000-2000 a. C.) cuando la piedra pulimentada complementa a la tallada.

La Edad de los Metales comienza con la invención de la metalurgia y se corresponde en su primera etapa con el uso del cobre y del bronce.

PINTURA RUPESTRE

En el Paleolítico Superior una comunidad de la zona franco-cantábrica se especializó en pintar animales en las paredes y en las bóvedas de las cuevas. Hay varias interpretaciones, pero sobre todo hay que destacar dos: la de Henri Breuil y la de André Leroi-Gourhan.

Para Breuil las pinturas eran ritos propiciatorios y expresiones de magia simpática que favorecían la caza, al acribillar a los animales con el pincel se aseguraba el posterior éxito de la batida. Aunque esta teoría presenta un lado oscuro, lo que más se cazaba en la época eran renos y ciervos, frente al protagonismo otorgado a caballos y bisontes.

Leroi-Gourhan pensaba que las cuevas eran santuarios donde se celebraban los ritos de iniciación, llegó a esta conclusión por el lugar que ocupaban los animales en las diferentes zonas. Las figuras centrales eran caballos y vacas que representaban respectivamente lo masculino y lo femenino.Pero al encontrar mezclados los animales entre sí se desmoronó también esta teoría.

La pintura del Paleolítico representa a animales de gran tamaño y en posición estática. El naturalismo es consecuencia de la intensa observación del artista. La técnica utilizada es la policromía, los colores básicos son el negro, el rojo y el ocre obtenido mediante roca pulverizada aglutinada con grasa animal.

En esta etapa se utilizan las turgencias de la pared para dar volumen al animal, la figura se rellena mediante la técnica del tamponado (se cubren los dedos con piel y se golpea la roca).

Los lugares más emblemáticos del arte rupestre Paleolítico son: Altamira, en Cantabria, y Lascaux, en Dordoña.

En el Mesolítico el artista abandona las cuevas y se decanta por las oquedades poco profundas de los abrigos. Las pinturas estaban realizadas para ser observadas a la luz del sol, la figura del animal deja de ser protagonista y comparte importancia con el hombre, estos se representan a escala reducida y en actitudes dinámicas.

El naturalismo se abandona por el esquematismo e ilustran todo el proceso de la caza. Su técnica es monocroma y los colores más utilizados son: el rojo, el negro y el blanco. La pintura parietal mesolítica se distribuye en toda la zona levantina.

Examen de Tgp

Arte con arena

Próximamente ARCOmadrid_ 2010 abrirá sus puertas.

Numerosos coleccionistas, críticos, comisarios y otros profesionales llegados de todo el mundo, acudirán a esta cita imprescindible del arte contemporáneo, que será seguida por miles de visitantes. Del 17 al 21 de febrero, Madrid se convertirá en el epicentro de la creación más actual, con una muestra que ofrecerá un recorrido por las últimas tendencias del panorama internacional, de la mano de más de 200 galerías y de alrededor de tres mil artistas internacionales.

La participación de Los Ángeles como ciudad invitada trae a Madrid lo mejor de uno de los centros artísticos que actualmente marcan las líneas maestras en el arte contemporáneo. Con una selección de 17 galerías de reconocido prestigio, comisariada por Kris Kuramitsu y Christopher Miles, la feria ofrecerá una aproximación a la escena artística de una de los grandes centros de producción estadounidenses.

Junto a ello, las galerías participantes ofrecerán un perfecto contraste de lenguajes, soportes y manifestaciones. El Programa General, junto con su segmentación ARCO40, combinará los grandes maestros del siglo XX con la creación más reciente de la escena nacional e internacional. Completan el programa artístico las secciones comisariadas de los Solo Projects, Expanded Box, CinemaLoop y Performing ARCO, que representan la apuesta de ARCOmadrid por las propuestas más rupturistas del panorama actual. Proyectos de casi 30 países que reforzarán a la Feria como escaparate de lo más notable y vanguardista de la creación contemporánea.

La participación de L.A. como ciudad invitada en ARCOmadrid_ 2010 será una oportunidad única para conocer a las principales galerías de la ciudad, y de intercambiar impresiones y experiencias con coleccionistas e importantes directores de pinacotecas, como los responsables del Los Angeles County Museum of Art (Lacma) o el Hammer Museum, quienes visitarán la feria. La ebullición creativa de la ciudad también se hará sentir a través de la presencia de un nutrido grupo de artistas, entre los que se encuentra Raymond Pettibon quien, por cortesía de la galería L.A. Regent Projects, ha diseñado la camiseta que MANGO ha producido para los uniformes del personal de la feria, y que se venderán en beneficio de la Fundación Menudos Corazones.

Madrid se inunda de arte
Como en anteriores ediciones, los centros de arte, museos y salas de exposiciones de Madrid acompañarán a ARCOmadrid en estos días. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se suma con piezas del artista Mario García Torres; Matadero Madrid presentará las performances de My Barbarian y una magnífica instalación de Doug Aitken; el Canal de Isabel II se une con la exposición fotográfica de Julius Shulman sobre la arquitectura de Los Ángeles. Estos son algunos ejemplos de lo que se concentrará este febrero en la capital española.

También el diálogo y la reflexión tendrán cabida en la feria dentro del VIII Foro de Expertos, en el que participarán figuras internacionales del ámbito artístico. De esta forma, ARCOmadrid_ 2010 inaugurará el calendario internacional de ferias de arte con la presencia de más de 5.000 invitados VIP, y 3.000 periodistas, junto a artistas, intelectuales, directores de museos y expertos del mundo del arte.

Sin duda, un encuentro ineludible para tomarle el pulso al mercado, disfrutar de la creación artística y conocer tendencias más emergentes de todo el mundo.

Extraído de Ifema

Los Girasoles

Mi novia popotito

La Lola - Radio Macandé